Top 10 des faits surprenants sur les danseurs de ballet
Saviez-vous que certains danseurs utilisent des sèche-cheveux pour préparer leurs pointes? Et que la chaussure d’un danseur principal ne peut durer qu’une demi-représentation? Le ballet est souvent décrit comme une forme d’art gracieuse et délicate. Il est stéréotypé comme féminin et parfois même appelé facile. Mais il se passe bien plus que ce que l’on pense dans le monde du ballet souvent méconnu. Dans cet article, découvrez dix faits étonnants sur les danseurs de ballet et leur métier.
10 Au départ, le ballet était dansé par des hommes
La forme d’art est née dans les tribunaux italiens au 15ème siècle. Lorsque Catherine de Médicis, l’un des premiers mécènes du ballet, épouse le roi de France Henri II. La France est devenue le pivot de son développement. Pendant les premiers siècles, les œuvres étaient généralement exécutées par des courtisans et les danseurs professionnels n’assumaient pas les rôles principaux. De plus, la plupart des artistes étaient des hommes. La première danseuse principale n’est apparue qu’en 1681, et ce n’est que quarante ans plus tard que les femmes ont commencé à rivaliser avec la technique des hommes. Et bien qu’aujourd’hui, le ballet soit souvent considéré comme un domaine des femmes. Mais il y a encore plus de chorégraphes et de chefs d’entreprise masculins que féminins.
9 danseurs de ballet s’entraînent plus dur que la plupart des athlètes professionnels
Il faut jusqu’à dix ans pour former un danseur professionnel, et beaucoup de ces années seront consacrées à plus de vingt heures de cours par semaine. Les danseurs étudient non seulement le ballet, mais ils doivent suivre des cours de danse contemporaine et de caractère, apprendre à s’associer et interpréter de courts extraits de ballets célèbres, appelés variations. Et ce n’est pas seulement le nombre d’heures qui est exigeant. Selon le joueur de football de la NFL, Steve McLendon, le ballet est la partie la plus difficile de son programme d’entraînement. Malgré les muscles volumineux de McLendon, son professeur de danse le pousse à atteindre une partie de la force et de la grâce de cette forme d’art. Le mélange d’exercices aérobies et anaérobies dans un cours de ballet fournit un entraînement complet du corps qui développe des muscles qui sont autrement rarement utilisés.
8 La plupart des professionnels maintiennent une alimentation saine
Le type de corps idéal souvent cité d’un danseur comprend de longues jambes minces, un torse court avec des hanches étroites et un cou maigre. Cela a inspiré d’innombrables jeunes danseurs à se concentrer sur leur poids à un degré malsain. Cependant, contrairement à la croyance populaire, peu de danseurs sont anorexiques. Bien que les danseurs en herbe aient souvent une relation malsaine avec la nourriture et que certains puissent être atteints du trouble, cela ne s’applique pas à la plupart des professionnels. Les entreprises s’efforcent d’employer des danseurs d’apparence saine ces dernières années. Le Royal Danish Ballet, pour sa part, est connu pour s’entretenir avec des employés affichant des habitudes alimentaires malsaines, dans le but de sauver leur carrière. De plus, de nombreuses troupes professionnelles ont employé des nutritionnistes et des physiothérapeutes pour garder le corps de leurs danseurs en bon état.
7 Être autorisé à porter des pointes est un rite de passage
Le plus grand jalon d’une ballerine en herbe est d’aller «en pointe». L’acte gracieux de se lever sur leurs orteils dans les chaussures de satin inspire de nombreuses jeunes filles à commencer le ballet. Mais la pointe n’est pas aussi inoffensive qu’elle en a l’air. Lorsqu’il est présenté trop tôt, un élève peut risquer des blessures graves. Généralement, les os sont trop malléables avant l’âge d’au moins dix ou onze ans, et de nombreux enseignants expérimentés décident d’attendre encore plus longtemps. De plus, la technique d’une fille doit être suffisamment solide pour utiliser les chaussures en toute sécurité. Les chiffres exacts varient, mais la plupart des enseignants professionnels conviennent que deux ans ou plus de formation plusieurs fois par semaine sont nécessaires.
6 De nouvelles pointes doivent être rodées
Les nouvelles pointes sont très dures et dangereuses à danser. Au fil de nombreuses années d’entraînement, chaque danseur découvre comment il aime adapter, ou roder, ses chaussures pour mieux s’adapter à son pied. Certaines de ces mesures sont assez extraordinaires. Par exemple, certains danseurs grattent le bas de la chaussure pour les faire moins glisser, les cogner au sol pour réduire le son sur scène, découper une section de la tige – la partie intérieure de la semelle – pour les rendre plus malléables, ou appliquez de la gomme laque pour les durcir. Une marque spécifique oblige même la danseuse à utiliser un sèche-cheveux pour faire fondre la chaussure et la mouler à son pied, puis la coller au réfrigérateur pour qu’elle durcisse.
5 Certaines chaussures ne durent qu’une heure
Contrairement aux procédures de rodage élaborées, les chaussures des danseurs professionnels durent très peu de temps. En une saison, qui ne dure généralement que quelques mois, un danseur peut parcourir jusqu’à 120 paires de chaussures. Les pointes étant très chères, de 60 à plus de 100 dollars la paire, c’est l’une des dépenses majeures des entreprises professionnelles. Une compagnie, le Pittsburgh Ballet Theatre, rapporte dépenser près de 100 000 $ par an uniquement pour les chaussures de danse pour femmes. Certains danseurs principaux sont connus pour utiliser plusieurs paires dans une même représentation, surtout s’ils dansent des rôles principaux dans des ballets tels que Swan Lake ou Sleeping Beauty.
4 L’équivalent masculin d’une ballerine est un danseur
Bien qu’une grande partie de l’accent dans le ballet classique soit mis sur la danseuse, le danseur est tout aussi important. Il soutient la ballerine dans certaines des parties les plus belles et les plus stimulantes du répertoire classique. De nombreux danseurs, comme Marcelo Gomes de l’American Ballet Theatre, sont fiers d’être un bon partenaire. Cela inclut à la fois de faire en sorte que la ballerine se sente en sécurité sur scène et de s’assurer que les lignes de son corps sont affichées dans une lumière flatteuse.
Pendant ce temps, la plupart des hommes sont obligés de lutter contre le stéréotype de la féminité dans le ballet. La forme d’art est souvent perçue par le grand public comme le domaine de la femme. Dans les petits studios de danse, il n’y a généralement qu’une poignée de garçons mélangés avec les filles. Beaucoup de ces écoles n’ont pas les ressources ou les connaissances nécessaires pour former les jeunes hommes de manière adéquate, en particulier en ce qui concerne le partenariat et certains sauts et virages plus compliqués. C’est pourquoi de nombreux danseurs masculins à succès, y compris Gomes, ont quitté leur domicile pour s’entraîner dans des écoles prestigieuses à un jeune âge.
3 Un pianiste en direct accompagne le cours de ballet quotidien
Si vous pensez à une compagnie de ballet, l’accompagnateur n’est pas la personne qui vous vient à l’esprit. Pourtant, les pianistes jouent un rôle crucial, à la fois pendant les cours quotidiens et pendant les répétitions et les performances. Depuis qu’ils ont remplacé les violonistes à la fin du XIXe siècle, les pianistes ont contribué à façonner la musicalité des jeunes danseurs et ont accompagné d’innombrables répétitions et même des performances. Et leur travail n’est en aucun cas facile. Non seulement doivent-ils être capables de jouer un large éventail de pièces à des rythmes variés pour chaque partie de la classe, mais ils doivent également maîtriser la terminologie du ballet. Si un professeur dit: «Nous partirons de la glissade», chaque accompagnateur de danse saura par quelle partie de la musique commencer.
2 Tous les danseurs de ballet ne sont pas jeunes
Semblable à la façon dont le ballet est stéréotypé en tant qu’art féminin, il est également considéré comme un art juvénile. Et tandis que la plupart des professionnels prennent leur retraite entre 30 et 40 ans. Certains sont conservés par de plus grandes entreprises en tant qu’artistes de personnages. Il s’agit généralement de danseurs de compagnies comme le Royal Ballet de Londres qui, au cours de leur carrière principale, se sont classés comme solistes ou directeurs. Ils interprètent désormais des rôles moins exigeants physiquement, mais stimulants sur le plan artistique. Un artiste masculin peut par exemple ne plus jouer le prince dans Sleeping Beauty, mais il incarnera van Rothbart, le magicien maléfique.
1 tutus sont faits à la main
Outre les pointes, le tutu d’une ballerine est essentiel pour sa performance. C’est également une dépense importante pour les entreprises professionnelles, puisqu’un seul tutu de haute qualité peut coûter 2000 $. Mais ils durent aussi très longtemps – parfois jusqu’à 30 ans, et plusieurs générations de danseurs peuvent les porter. Il est traditionnel pour les danseurs d’écrire leur nom à l’intérieur du tutu, afin que les futurs interprètes sachent qui l’a porté avant eux. La couche supérieure d’un tutu classique dépasse d’environ 13 à 15 pouces de la hanche, mais il y a plus de dix couches supplémentaires de tulle en dessous, soutenues par un cerceau en métal. Coudre tout ce tulle à la culotte est extrêmement chronophage et irritant. Un seul tutu peut prendre 120 heures à faire!